Comment peindre à la manière des impressionnistes ?

L’impressionnisme est un mouvement majeur qui a révolutionné la peinture à la fin du 19ème siècle. Il continue d’inspirer de nombreux artistes aujourd’hui. Vous êtes-vous déjà demandé comment reproduire la technique et le style de ces peintres emblématiques dans vos propres œuvres ?

Dans cet article, je vous propose d’étudier ensemble les caractéristiques distinctives de leur style. Nous explorerons les principaux maîtres de l’impressionnisme. Et vous découvrirez comment ces peintres ont révolutionné la peinture de leur temps, comment ils se sont fait connaître et quels autres artistes de l’époque ont été influencés par leur travail.

Mais surtout, par cette analyse, vous allez obtenir les outils nécessaires pour peindre à la manière des impressionnistes ! Je vous présenterai les principes fondamentaux de ce mouvement et les techniques utilisées par ces peintres spécifiquement. Vous allez apprendre à les appliquer dans vos propres peintures, afin de créer des œuvres vibrantes, à la manière des impressionnistes.

Pour épingler cet article sur Pinterest et le retrouver plus tard :

Qu’est-ce que l’impressionnisme ?

La naissance du terme

En 1874, Claude Monet expose son tableau « Impression, soleil levant » à l’exposition des indépendants à Paris. Peint en 1872, l’œuvre représente un paysage portuaire du Havre au petit matin. Le Havre est une ville sur la côte nord-ouest de la France où Monet a grandi. Alors que ses ainés avaient l’habitude de travailler en atelier d’après des esquisses faites sur le vif, Monet va plus loin. Il peint directement sur le motif. Il brosse sa toile en quelques heures, seul moyen, selon lui, de saisir avec exactitude et précision sa vision*.

Une œuvre sans précédent

« Impression, soleil levant » est remarquable pour sa représentation atmosphérique de cette scène portuaire. Monet a appliqué ses couleurs en touches rapides créant une impression de mouvement de l’eau et de lumière changeante. La scène est baignée dans une brume légère, et la silhouette des bateaux et des grues est à peine discernable. A la vue de cette représentation floue et éphémère, les critiques de l’époque ont qualifié la scène de « dématérialisation ».

Louis Leroy

Louis Leroy est un journaliste, critique d’Art, auteur dramatique, peintre et graveur (oui oui tout ça ^^). Il avait pour habitude de critiquer les nouvelles expositions d’Art. Il était présent à l’exposition de 1874. Et lorsqu’il vit le tableau de Monet, il fut choqué par ce qu’il considérait comme une œuvre inachevée et bâclée. Il écrivit alors un article dans le journal Le Charivari, intitulé « L’exposition des impressionnistes » dans lequel il se moquait du tableau de Monet et de son titre.

« Impression, j’en étais sûr. Je me disais aussi, puisque je suis impressionné, il doit y avoir de l’impression là-dedans… Et quelle liberté, quelle aisance dans la facture ! Le papier peint à l’état embryonnaire est encore plus fait que cette marine là ! »

Louis Leroy – article du journal Le Charivari daté du 25 avril 1874

L’impressionnisme était né !

Avec cette critique, Louis Leroy avait sans le savoir créé le terme « impressionnisme ». Celui-ci allait devenir le nom du mouvement artistique. Mais cette critique avait aussi attiré l’attention du public sur les impressionnistes, et avait contribué à leur notoriété. Finalement, l’œuvre de Monet et le mouvement impressionniste allaient devenir l’un des mouvements artistiques les plus célèbres et influents de l’histoire de l’Art.

Aujourd’hui, « Impression, soleil levant » est considéré comme l’un des tableaux les plus emblématiques de ce mouvement et de l’histoire de l’Art. Il est conservé au Musée Marmottan-Monet à Paris. Celui-ci possède également une collection importante d’autres œuvres de Monet et d’autres artistes impressionnistes.

Comment les impressionnistes ont-ils révolutionné la peinture ?

Tout comme l’a fait Monet avec « Impression, soleil levant », les artistes, de ce petit groupe indépendant de l’époque, ont cherché à représenter leurs sujets de manière plus spontanée que ceux de leur génération précédente. Au lieu de peindre des images idéalisées ou parfaitement finies, ils ont tenté de capturer les impressions fugaces de la lumière, de la couleur et du mouvement. Les impressionnistes ont alors introduit de nouvelles techniques et approches pour représenter le monde qui les entoure. Nous verrons cela en détail par la suite.

Pourquoi apprendre à peindre à la manière des impressionnistes vaut la peine ?

La compréhension des choix de l’artiste

Lorsque l’on débute en peinture, essayer de reproduire des tableaux de Maîtres est un excellent apprentissage. Cela permet de comprendre la manière dont l’artiste a composé son œuvre, a choisi, agencé, mélangé et posé ses couleurs sur la toile. Avec un peu de pratique, il est possible également de décrypter les différentes étapes de sa réalisation pour reproduire son tableau.

Les artistes impressionnistes sont des as de la composition et de la couleur ! Alors ce sont vraiment des artistes à étudier ! Et avouez que cela fait plaisir de pouvoir accrocher à son mur un tableau connu !

Avec une reproduction, vous aurez obligatoirement un tableau réussi au niveau de sa composition et de son harmonie colorée. Et en multipliant l’exercice, votre œil va s’aiguiser naturellement. Vous pourrez alors appliquer ces grands principes à vos propres œuvres.

La place à l’imperfection

De plus, là où les impressionnistes sont vraiment sympas, c’est que leurs œuvres laissent place à l’imperfection. Et quand on débute, ça c’est plutôt chouette !

Je ne dis pas qu’elles sont imparfaites. Ne me faîtes pas dire ce que je n’ai pas dit.

Ce que je veux dire c’est qu’un tableau de Monet comme « Impression, soleil levant » si les touches ne sont pas exactement aux mêmes endroits et faîtes de la même manière que lui, ça fonctionnera quand même.

Ce ne sera pas une copie exacte. Mais ce n’est pas l’objectif de toutes façons. Ce sera votre interprétation !

Je vous laisse explorer les œuvres de ce courant ici.

Et si besoin pour la partie technique, nous avons une excellente formation qui reprend toutes les bases de la peinture : DEVENEZ UN PEINTRE AUTONOME. 😉

Comment reconnaitre une œuvre de style impressionniste ?

Le style impressionniste est caractérisé par plusieurs éléments distinctifs qui permettent de reconnaître une œuvre de ce mouvement. Voici quelques-uns des éléments clés :

La touche

Les peintres impressionnistes ont adopté une technique de peinture en touches, des petits coups de pinceaux visibles. Ce sont des couleurs pures juxtaposées, plutôt que des mélanges préalables sur la palette. Ces peintres ne cherchaient pas une finition lisse et homogène. Cette technique permet de créer des effets optiques vibrants et de donner une impression de mouvement et de luminosité. Les œuvres des impressionnistes sont presque toutes peintes sur le vif, en quelques heures, alla prima (voir le dernier chapitre de cet article).

La couleur et la représentation de la lumière

Les impressionnistes cherchaient à capturer les effets changeants de la lumière naturelle. C’est l’un des éléments les plus importants de leur style. Les couleurs sont souvent vives et lumineuses. Ils ont également utilisé la technique du contraste simultané pour créer des effets de vibration dans les lumières. Cette technique consiste à juxtaposer des couleurs complémentaires pour créer des effets de contraste et de vibration optique.

La composition

Les impressionnistes ont adopté une approche plus libre et moins rigide de la composition, privilégiant souvent les angles inhabituels ou les cadrages rapprochés. Ils ont notamment été largement influencé par l’arrivée des estampes japonaises en occident.

La technique de l’empâtement

Les impressionnistes ont également utilisé la technique de l’empâtement pour ajouter de la texture et du relief à leur peinture. Cette technique consiste à appliquer la peinture en couche épaisse avec un couteau ou une brosse pour créer des effets de relief.

Le sujet

Les impressionnistes ont souvent choisi des sujets du quotidien, tels que des scènes de la vie urbaine, des paysages ruraux, des portraits, des natures mortes, des femmes ou des enfants.

Quels sont les principaux Maîtres impressionnistes ?

Claude Monet

Claude Monet est né en 1840 à Paris. Dans les années 1860, il a commencé à travailler avec d’autres artistes pour explorer des idées nouvelles en matière de technique et de représentation de la lumière et des couleurs conduisant à la naissance de l’impressionnisme.

Peindre en série et capter le temps

Il peignait souvent en série pour capturer l’évolution du temps (heures de la journée et saisons). Les œuvres les plus célèbres de Monet comprennent les séries de tableaux représentant la cathédrale de Rouen, la gare Saint-Lazare, les meules de foin, et les peintures de la plage à Pourville.

A la limite de l’abstraction

Au fil du temps, la peinture de Monet a évolué pour devenir plus abstraite et expérimentale, en particulier à partir des années 1890, peut-être en raison d’une cataracte. Il a commencé à travailler sur de grands projets à long terme, comme les Nymphéas, une série de peintures représentant son jardin de Giverny, qui l’ont occupé jusqu’à sa mort en 1926.

Quelques mois après sa mort, on inaugure le musée de l’Orangerie regroupant de nombreuses œuvres de Monet. C’est un flop total ! Le public de l’époque ne comprend pas (encore) sa vision. Il faudra attendre 30 ans (bien après la Seconde Guerre Mondiale), pour que sa reconnaissance soit faite…grâce aux américains qui appréciaient énormément ces impressionnistes !

Pierre-Auguste Renoir

Auguste Renoir est né à Limoges en 1841 et a grandi à Paris. Il a commencé sa carrière en travaillant dans un atelier de porcelaine tout en suivant des cours de dessin le soir. Par cela, il a d’abord été influencé par le style académique et a travaillé comme peintre de portraits. A la fin des années 1860, il commence à peindre en plein air, adoptant le style impressionniste avec ses collègues Monet et Sisley entre autres.

Des scènes de vie

Au fil des ans, Renoir a développé un style unique, caractérisé par des couleurs lumineuses, une touche lâche et des compositions harmonieuses. Dans ses peintures, il représente souvent des scènes de la vie quotidienne, comme des fêtes, des bals et des pique-niques dans la campagne française. (cf : article sur les grands thèmes abordés par les peintres)

Une touche plus douce

Au cours des années 1880 et 1890, Renoir a continué à développer son style, adoptant une palette de couleurs plus douces et une technique plus sensuelle. Il a également commencé à se concentrer davantage sur les portraits et les nus, mettant en évidence la beauté et la grâce du corps humain.

Camille Pissarro

Camille Pissarro était un peintre impressionniste français né à Saint-Thomas, dans les Antilles danoises, en 1830 et décédé à Paris en 1903. Il a commencé sa carrière en tant qu’artiste réaliste. Mais a évolué vers l’impressionnisme au fil du temps. Il a commencé à travailler avec Monet et d’autres impressionnistes dans les années 1870 et a participé à sept des huit expositions impressionnistes.

Du mouvement par les couleurs complémentaires

Ses œuvres majeures comprennent des paysages ruraux et urbains et des scènes de la vie quotidienne. Il était connu pour son utilisation habile de la couleur et de la lumière pour créer une sensation de mouvement et de vie dans ses peintures. Certaines de ses œuvres les plus célèbres comprennent « Les Toits Rouges » (1877), « La Récolte des Foins, Éragny » (1887) et « Boulevard Montmartre, Printemps » (1897).

Alfred Sisley

Alfred Sisley était un peintre impressionniste britannique, bien qu’il ait vécu et travaillé en France. Il est né à Paris en 1839 de parents britanniques et a étudié à l’École des Beaux-Arts de Paris. Sisley est surtout connu pour ses paysages, qui étaient souvent peints en plein air et caractérisés par une utilisation subtile de la couleur et de la lumière. Dans ses peintures, Sisley a souvent cherché à capturer l’atmosphère et l’ambiance d’un lieu plutôt que de se concentrer sur les détails.

Edgar Degas

Edgar Degas (1834-1917) était un artiste français connu pour son travail dans le mouvement impressionniste. Pourtant, il s’est écarté de la technique impressionniste pure à mesure qu’il développait son style.

Les plaisirs de la vie contemporaine

Degas a commencé sa carrière en tant que peintre d’Histoire, mais il est devenu de plus en plus intéressé par la représentation de la vie contemporaine. Il a souvent peint des scènes de ballet, des courses de chevaux et des femmes dans leur vie quotidienne.

Degas était connu pour sa technique de dessin et ses peintures de figures en mouvement. Il a souvent utilisé des angles de vue inhabituels pour ajouter une touche de dynamisme à ses œuvres.

Un peintre aux médiums variés

Au fil du temps, Degas a commencé à expérimenter avec des techniques de pastel et d’aquarelle, en plus de la peinture à l’huile. Il a également commencé à incorporer des éléments de l’Art japonais dans son travail, créant ainsi un style unique.

Vers la fin de sa vie, la vue de Degas a commencé à décliner, ce qui l’a obligé à abandonner la peinture à l’huile. Cependant, il a continué à travailler avec des techniques de pastel et de sculpture jusqu’à sa mort en 1917.

Édouard Manet

Un vrai scandale

Edouard Manet (1832-1883) est considéré comme un artiste majeur de la transition entre le réalisme et l’impressionnisme. Au début de sa carrière, Manet a cherché à se distinguer des conventions artistiques de son époque en peignant des sujets de la vie moderne tels que des cafés, des scènes urbaines et des natures mortes. Son œuvre majeure, « Le déjeuner sur l’herbe » (1863), a scandalisé le public avec son traitement provocateur du nu féminin.

Au bord du mouvement impressionniste

Au fil du temps, Manet s’est rapproché du mouvement impressionniste et a commencé à utiliser des techniques telles que des touches de couleur audacieuses et des effets de lumière pour créer des impressions visuelles plutôt que des représentations précises. Il a également commencé à peindre en plein air, comme ses collègues impressionnistes.

Manet a donc été un précurseur important de ce mouvement, bien qu’il n’ait jamais pleinement adopté leur style. Il a également continué à explorer de nouveaux sujets et techniques tout au long de sa carrière, évoluant constamment en tant qu’artiste.

Berthe Morisot

Enfin une femme !

Berthe Morisot était une artiste française née en 1841 et décédée en 1895, connue pour être l’une des rares femmes peintres de l’époque impressionniste (et la première à rejoindre ce cercle !). Elle était la belle-sœur d’Édouard Manet, qui était un ami proche et mentor artistique.

Morisot a commencé à exposer ses œuvres dans des expositions impressionnistes en 1874 et a rapidement été reconnue pour ses talents en tant que peintre. Elle est surtout connue pour ses peintures de la vie quotidienne, des portraits et des paysages, qui ont été caractérisées par l’utilisation de couleurs lumineuses et l’application de peinture en petites touches.

Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent « Le Berceau », « La Lecture » et « Dans la salle à manger ». Au fil des années, son style a évolué pour inclure des éléments du style japonais, notamment dans ses peintures de jardins et de paysages.

Gustave Caillebotte

Gustave Caillebotte était un peintre français impressionniste né en 1848 à Paris et mort en 1894. Bien qu’il ne soit pas aussi connu que certains de ses contemporains, Caillebotte a joué un rôle important dans le mouvement impressionniste et est considéré comme un artiste talentueux et novateur.

Du droit à la perspective

Il a commencé sa carrière d’artiste au cours de ses études en droit. Mais après avoir rencontré le peintre Claude Monet et avoir vu son travail, il a décidé de poursuivre une carrière artistique. Son premier tableau, « Le pont de l’Europe » (1876), a été accepté pour l’exposition impressionniste de la même année.

Les œuvres de Caillebotte sont souvent caractérisées par des angles inhabituels et des compositions audacieuses. Il était particulièrement intéressé par les thèmes modernes de la vie urbaine, tels que les avenues de Paris, les ponts, les gares et les travaux publics. Ses œuvres sont souvent considérées comme ayant une qualité photographique en raison de son intérêt pour la perspective et la composition. Il était également un passionné de la voile et a peint de nombreux paysages marins.

Le mécène

Caillebotte a également été un mécène important pour ses amis impressionnistes. Il a acheté de nombreuses œuvres lors de leurs expositions et les a aidé financièrement. Après sa mort, sa collection a été léguée à l’État français, contribuant à la formation de la collection impressionniste du Musée d’Orsay.

Mary Cassatt

L’américaine du groupe

Mary Cassatt était une artiste américaine impressionniste qui a vécu une grande partie de sa vie en France. Elle est surtout connue pour ses portraits de femmes et d’enfants, ainsi que pour ses scènes de la vie quotidienne.

Cassatt a commencé à étudier l’Art à l’âge de 16 ans, d’abord aux États-Unis, puis à l’Académie Colarossi à Paris. Alternative, privée et libre, à l’École des Beaux-Arts de Paris, l’Académie Colarossi (tout comme l’Académie Julian) était mixte et autorisait les étudiantes à peindre d’après des modèles masculins nus. (!!!)

Complètement intégrée

Cassat a rapidement développé un style impressionniste, influencé par ses contemporains français. Elle était proche d’Edgar Degas, qui l’a présentée à la communauté artistique parisienne. Ils ont travaillé ensemble et ont échangé des conseils artistiques tout au long de leur vie. Elle a participé à plusieurs expositions impressionnistes et a travaillé aux côtés de nombreux autres membres du mouvement.

Cassatt a été la seule artiste américaine à avoir une œuvre exposée dans la première exposition impressionniste de 1874. Elle a également été la première femme américaine à avoir une exposition personnelle en France. Enfin, elle a joué un rôle important dans l’introduction de l’Art impressionniste en Amérique, organisant une exposition d’œuvres impressionnistes à New York en 1886.

Comment les peintres impressionnistes se sont fait connaître à l’époque ?

Les expositions indépendantes

La solution au rejet

Les expositions des peintres impressionnistes ont été des événements importants pour l’histoire de l’Art français et européen du XIXe siècle. La première exposition impressionniste a été organisée de manière indépendante dans l’atelier du photographe Nadar à Paris en 1874. Un groupe de jeunes peintres, tels que Monet, Pissarro, Renoir, Sisley et Degas, ont décidé de se réunir pour exposer leurs œuvres ensemble. Leurs styles étaient différents de la peinture académique traditionnelle de l’époque. Et ils avaient été rejetés par les salons officiels.

Cependant, les expositions impressionnistes ont rapidement attiré l’attention du public et des critiques d’Art. Les artistes ont continué à exposer ensemble chaque année jusqu’en 1886. Ces expositions étaient souvent organisées de manière informelle. Elles avaient lieu dans des endroits différents à chaque fois, tels que des galeries d’Art, des ateliers ou même des cafés. Elles étaient en parallèle aux expositions officielles des peintres académiques qui se tenaient à l’époque.

Pour une meilleure intégration

Les premières expositions impressionnistes ont été critiquées par certains critiques d’Art. Ils ont rejeté les techniques et les styles des peintres impressionnistes. Cependant, elles ont attiré de plus en plus de visiteurs et de collectionneurs au fil des années. Cela a finalement conduit à la reconnaissance des artistes impressionnistes et de leur contribution à l’histoire de l’Art. Elles ont également attiré un certain nombre d’autres artistes, tels que Cézanne, Gauguin et Van Gogh. Ces derniers ont exposé leurs œuvres avec les impressionnistes avant de se forger leurs propres styles et mouvements artistiques.

En 1886, les impressionnistes ont organisé leur dernière exposition en groupe. Leurs œuvres ont été par la suite intégrées aux expositions officielles des peintres académiques, signe que leur mouvement avait finalement gagné une reconnaissance plus large.

L’homme qui a fait (re)connaitre les impressionnistes

Paul Durand-Ruel (1831-1922) était un célèbre marchand d’Art français qu’on peut qualifier de visionnaire. Il a été l’un des premiers à croire au talent des peintres impressionnistes et à acheter leurs œuvres, même lorsque celles-ci n’étaient pas encore appréciées par le public et la critique.

Durand-Ruel a commencé sa carrière en vendant des tableaux de maîtres anciens, mais s’est rapidement tourné vers l’Art contemporain. Il a acheté des œuvres de Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley et d’autres artistes impressionnistes, contribuant ainsi à leur succès et à leur reconnaissance. Il a également organisé des expositions individuelles pour ces artistes, leur donnant ainsi une plus grande visibilité.

Durand-Ruel a eu une relation étroite avec les impressionnistes, qu’il considérait comme des amis plutôt que des clients. Il était connu pour être un homme chaleureux et généreux, qui traitait les artistes avec respect et les aidait financièrement quand ils étaient dans le besoin.

Lors de l’exposition impressionniste de 1876, il a acheté la totalité des œuvres de Monet exposées pour les revendre plus tard, mais a fini par garder la plupart d’entre elles dans sa collection personnelle. Il a également soutenu financièrement Monet pendant plusieurs années lorsque l’artiste avait du mal à vendre ses tableaux.

Comment appliquer les principes de l’impressionnisme à vos propres peintures

Peindre sur le vif

Le style impressionniste se prête particulièrement bien à certains sujets, tels que les paysages, les scènes urbaines et les natures mortes. Pour ces sujets, l’idéal est de peindre « sur le vif », on dit aussi « sur le motif » c’est-à-dire directement devant le modèle.

Les paysages

L’intérêt de peindre à l’extérieur c’est de capter la lumière naturelle qui danse sur les éléments du paysage. Pour cela, privilégiez plutôt des horaires de début ou de fin de journée.

Les natures mortes

Pour les natures mortes, si vous les installez vous même, faîtes attention à l’éclairage et au fond que vous choisissez. Souvent, les artistes choisissent une lumière qui descend sur l’objet, légèrement inclinée de gauche à droite (c’est-à-dire une lumière placée à 10h). Mais vous pouvez choisir un éclairage différent qui attirera l’œil sur votre sujet. Pour le fond, pensez « contrastes ». Essayez de placer un fond sombre si votre sujet est clair et vice et versa. Et pensez aux couleurs complémentaires qui mettront aussi votre sujet en valeur.

Contrairement à ce qui se faisait à l’époque, les impressionnistes peignaient souvent sur un fond blanc. En effet, les peintres académiques appliquaient généralement une imprimature (= fond de couleur) avant de peindre leur sujet.

Soigner sa composition

Les peintres impressionnistes ont été largement influencés par l’arrivée à cette époque des estampes japonaises. Celles-ci présentaient des cadrages bien différents, plus rapprochés, de ce qu’ils connaissaient de la peinture académique européenne.

Regardez quelques estampes japonaises ici pour vous rendre compte de ces cadrages originaux, surtout pour l’époque.

Appliquer les techniques employées par les peintres impressionnistes

Alla prima

Les impressionnistes peignant la plupart du temps à l’extérieur, avec une lumière changeante, devaient peindre vite (ou revenir sur plusieurs jours à la même heure sur le lieu du motif). Ils peignaient donc rapidement, souvent leurs tableaux étaient terminés en quelques heures seulement. Ils peignaient avec une technique que l’on appelle « alla prima ». Les peintres appliquaient leurs couleurs sur une couche de peinture encore fraiche.

Impasto

Avec ce jeu de couches fraiches les unes sur les autres, la peinture devenait vite épaisse et créait une texture bien visible. C’est ce que l’on appelle l' »impasto ».

Touche marquée et juxtaposition des couleurs

Toujours dans l’idée de capter le plus rapidement possible l’instant, les impressionnistes ont dû ruser avec les couleurs. Ne pouvant superposer les couches en glacis puisque la peinture n’avait pas le temps de sécher, ils ont juxtaposer les couleurs, souvent complémentaires, pour créer des vibrations optiques.

Ainsi, plutôt que de bien mélanger vos couleurs sur votre palette, si vous cherchez à peindre à la manière des impressionnistes, essayez d’appliquer des petites touches de couleurs juxtaposées et/ou des coups de pinceaux avec le mélange non homogène sur celui-ci. Privilégiez également une palette de couleurs lumineuses.

Conclusion

J’espère que cette exploration vous aura permis de comprendre les grands principes du style impressionniste. Il n’y a qu’un point que nous n’avons pas vu pour votre appropriation : le choix des sujets (scènes de la vie urbaine, paysages ruraux, portraits, natures mortes, femmes et enfants). Ils étaient souvent considérés comme modernes à l’époque. Ils pourraient être déclinés à la nôtre si vous vouliez aller jusqu’au bout de la démarche de style. J’ai quelques idées en tête. Et vous ? Quels sont les sujets que vous pourriez imaginer décliner à la manière des peintres impressionnistes ? N’hésitez pas à partager vos réflexions dans les commentaires de cet article.

*source : exposition « Face au Soleil » en 2022/23 au musée Marmottan-Monet à Paris